世界名画薰衣草之雾第一号赏析（薰衣草之雾传达着什么意图）

杰克森•波洛克（Jackson Pollock, 1912年—1956年）是一个土生土长的美国人，出生时大脑受了点伤，这使他在生活里显得多少有些迟钝和倔犟，但可能也是由于这一点，他做事情更愿意从本能出发，不受约束。有一次，他从朋友的转述中得知了超现实主义者“自动创作”的方法，也就是说没有构思、没有预先的设想、没有理性的干预，不去想应该怎样，不应该怎样，只是让心底的意象自然流露于笔端，他们认为这样表达出来的世界和情感才是最真实的。这让波洛克很是着迷，并且急不可耐地进行尝试。

他的做法是，合着神秘的韵律、节奏，挥动画笔，将直接从罐子里倒出的颜料滴洒在画布上。为了创作时更自由、方便，他把画布从画架上摘下来，铺在地上，由于尺寸都相当大，人置身于其中，不像是用笔在画画，倒像是用身体在画。因此，人们也把他创造的这种作画方式称作“行动绘画”。他说：“在地板上，我更自在，觉得自己更贴近画面，更像是它的一部分。我可以绕着画走，先从四边入手，然后逐渐接近中心，名副其实地站在画里面。”有人认为波洛克的画风也受到了美国西部印第安人“沙画”的影响。二者的方式很接近，“沙画”是一种 用于宗教仪式目的的绘画，它让染色的沙从指缝中间漏到地上，创造出寿命很短的宗教图像。而波洛克也使绘画的过程变得像某种祭礼中的舞蹈，要么坐在一边观望，一句话都不说，要么忘掉自我般迷狂地投入其中，挥舞着、蹦跳着，让颜料甩落在画面上的瞬间形成优美的弧线，让一幅画的形式找到独立的生命。

《薰衣草之雾：第一号》就是以这样的方式创作出来的作品。它长达3米，人们只能以“巨大的”来形容它。画中布满滴淌在一起的线条和颜色，如丝如缕，铺满整幅绘画。这被誉为是1911年立体主义出现以来最引人瞩目的绘画空间方面的新发明。画面没有空间透视，但又不完全是平面的。波洛克创造了一种如网一样暧昧的空间，大部分的笔触漂浮在画面的后方，漂浮在被有意填满的、不存在透视关系的空间之中。然而，仍然有一些笔道跃出前来，使近景与后景相互渗透，在人的视觉当中跳来跳去，同时又在一片混乱中建立起一种说不出的秩序，淡紫色、银色、白色、灰绿色……真的弥散在雾里。

有趣的是，画家在创作过程中，可能还嫌画笔滴洒颜料不过瘾，干脆情不自禁地将手蘸上颜色，按在画面的右上角，像旧石器时代的岩洞艺术家那样留下自己的手印。“当我作画时，我不知道自己在做什么。只有经过一段时间的熟悉后，我才看到我是在做什么。我不怕反复改动或者破坏形象，因为绘画有它自己的生命，我力求让这种生命出现。只要我与画面脱离接触，其结果就会一团糟。反之，就有纯粹的和谐，融洽自然，画也就完美地出来了。”或许，波洛克这样做，就是有意无意地体现出他与画面的亲近状态吧。

波洛克这种独特手法造成的画面，在一开始引起了美国公众的普遍愤怒，不过，这些对波洛克本人来说似乎倒没什么，他对公众的看法 多半不予理睬，继续画他的画。他认为，抽象绘画应该是一种享受，就像音乐一样——不久，你会喜欢它或者讨厌它，但这并不是一件严肃的事，我喜欢这画，而不喜欢那画，但总得给人一个机会去感受。